L'histoire

Ancienne capitale de la colonne géorgienne



Ancienne capitale de la colonne géorgienne - Histoire

Ils se distinguent par un chapiteau décoratif en forme de cloche avec des volutes, deux rangées de feuilles d'acanthe et une corniche élaborée. Dans de nombreux cas, la colonne est cannelée. Des colonnes de ce style peuvent être trouvées à l'intérieur et à l'extérieur des bâtiments de Capitol Hill, y compris le Capitole des États-Unis, le bâtiment de la Cour suprême, le bâtiment de bureaux du Sénat Russell, le bâtiment de bureaux de Cannon House et la bibliothèque du Congrès.

L'extérieur du Capitole contient des exemples d'un style de colonne corinthienne modifié, y compris le portique central du front est et le front ouest. Au premier étage de l'aile de la maison du Capitole se trouve la spectaculaire salle des colonnes à haut plafond, qui tire son nom des 28 colonnes de marbre blanc cannelées qui bordent le couloir.

Les chapiteaux des colonnes sont une variation de l'ordre corinthien, incorporant non seulement des feuilles d'acanthe classiques mais aussi des chardons et des plants de tabac indigènes américains. Les utilisations antérieures de la végétation américaine dans les chapiteaux du bâtiment comprennent les chapiteaux en épi de maïs de Benjamin Henry Latrobe dans un vestibule du premier étage et ses chapiteaux en feuilles de tabac dans la petite rotonde du Sénat.

Le bâtiment de la Cour suprême a été conçu dans le style architectural corinthien classique, choisi pour s'harmoniser avec les bâtiments du Congrès à proximité. Son entrée monumentale, face au Capitole des États-Unis, contient un pavillon central semblable à un temple surmonté d'un portique monumental avec 16 colonnes de marbre corinthiennes qui soutiennent un entablement et un fronton élaborés.

Dans l'immeuble de bureaux Cannon House et l'immeuble de bureaux du Sénat Russell, leurs rotondes identiques contiennent 18 colonnes corinthiennes qui soutiennent un entablement et un dôme à caissons, et dont l'oculus vitré inonde la rotonde de lumière naturelle.


Emplacement et première fonction du pilier Katskhi

Le pilier Katskhi est situé à Imereti, une région de l'ouest de la Géorgie. Ce pilier s'élève à une hauteur d'environ 40 mètres (131,23 pieds) et surplombe la petite vallée fluviale de Katskhura. Comme le Katskhi est une caractéristique si importante du paysage, il n'est pas surprenant que les gens lui aient attaché une signification particulière. Avant l'avènement du christianisme, par exemple, le pilier de Katskhi aurait été utilisé comme site sacré par les païens, il y a déjà 2 000 ans. On pensait que le monolithe représentait un dieu local de la fertilité, c'est pourquoi des rites de fertilité y étaient pratiqués.

Avec l'avènement du christianisme, cependant, le pilier Katskhi a acquis une nouvelle fonction. La colonne calcaire n'était plus associée à la fertilité. Au lieu de cela, il est devenu considéré comme un moyen de se détacher du monde. La pratique ascétique de vivre sur un pilier / monolithe trouve ses origines dans la figure de Saint Siméon le Stylite, un saint homme du 4ème / 5ème siècle qui a décidé de vivre au sommet d'un pilier. Saint Siméon a fait cela pour pouvoir s'éloigner de la société et consacrer son temps à la prière.


Caractéristiques

Typiquement, une maison de style fédéral est une simple boîte carrée ou rectangulaire, haute de deux ou trois étages et profonde de deux pièces. Certaines maisons de style fédéral ont été agrandies, modifiées avec des ailes en saillie, des dépendances attenantes ou même les deux. Dans certaines maisons et bâtiments fédéraux, on peut trouver un plan d'étage incurvé ou polygonal élaboré, comme celui de l'Octagon House à Washington, D.C. (1799) situé au 18 th Street et à New York Avenue NW. Dans le quartier historique de Rockville au 103, avenue Montgomery Ouest, la maison Beall-Dawson est un excellent exemple du style fédéral.

De nombreux éléments de conception de style fédéral sont particulièrement discrets. Par exemple, la décoration extérieure dans les styles et les conceptions fédérales se limite généralement à un porche ou à un élément d'entrée. Par rapport à une maison géorgienne, les colonnes et les moulures de l'architecture fédérale sont étroites et plutôt simples.

L'architecture de style fédéral présente souvent des concepts géométriques. Les motifs elliptiques, circulaires et en forme d'éventail formés par des lignes rayonnantes cannelées sont des décorations courantes que l'on trouve dans les maisons et les immeubles de bureaux de style fédéral. L'un des plus anciens exemples américains de telles fioritures se trouve au plafond de la salle à manger de Mount Vernon. Exécuté en plâtre, le dessin fédéral contient une bordure ornementale en rinceau festonnée d'enveloppes de maïs et d'une rosace centrale.

Matériaux

Sans surprise, les matériaux de construction dans l'architecture de style fédéral varient selon l'emplacement. Les maisons du nord-est étaient généralement faites de planches à clin, tandis que les maisons du sud étaient souvent en briques, comme la plupart des maisons de style fédéral dans le nord urbain, où l'ignifugation était très recherchée.

Les toits en croupe coiffés d'une balustrade et de formes de pignon simples (comme ceux de nombreuses maisons de ville fédérales à Washington, D.C.) et même les toits avec un pignon central couronné par un fronton de façade avant, sont parmi les styles de toit fédéraux les plus populaires. La Friendship House, située sur South Carolina Avenue SE sur Capitol Hill (vers 1795), est un exemple du fronton de la façade avant.

Les lucarnes percent souvent le toit pour apporter de la lumière et de l'espace dans un grenier. La maison Carberry (1803) au 421½ Sixth Street S.E. dans la région de Capitol Hill à Washington, DC est un exemple particulièrement bon.

Les fenêtres

Les fenêtres ne sont jamais regroupées dans une maison de style fédéral, mais sont disposées individuellement selon une stricte symétrie horizontale et verticale. En règle générale, les fenêtres avant d'une maison de style fédéral sont classées cinq, bien qu'il existe des exemples de fenêtres classées trois et sept. Les fenêtres de style palladien sont souvent utilisées dans les pignons comme ornement architectural. Les fenêtres sont presque invariablement composées de châssis en bois à guillotine double, le châssis supérieur étant maintenu en place par des goupilles métalliques (les contrepoids n'avaient pas encore été inventés). De minces montants intermédiaires en bois divisent la fenêtre en petites lumières (vitrages). Avant la guerre d'indépendance, la lumière standard était de 6" x 8", mais à mesure que les technologies de vitrage s'amélioraient, la taille est passée à 8" x 13". Généralement, les fenêtres comportent six lumières sur six, bien que neuf sur neuf et d'autres configurations puissent également être trouvées dans plusieurs maisons de style fédéral.

Entrée

Convenant à son importance, surtout lorsqu'elle est au centre d'une façade strictement symétrique, la porte d'entrée d'une maison fédérale est généralement la partie la plus décorée de l'extérieur de la maison. Sur ce point, une lumière en éventail semi-circulaire ou elliptique au-dessus de la porte avec ou sans fenêtres latérales latérales est un dispositif de prédilection utilisé dans l'architecture fédérale.

L'entourage d'une porte peut également inclure des moulures ornées ou un petit porche d'entrée. Certains designers de style fédéral améliorent souvent le drame de l'entrée principale avec des lignes curvilignes, des rampes d'escalier avant, des balcons en fer et même des façades incurvées. Les moulures décoratives, telles que les dents en forme de dent, sont souvent utilisées pour souligner les corniches du design fédéral.


L'ordre corinthien

chapiteau corinthien

L'ordre corinthien

Pour s'assurer que les bâtiments font écho à un sens du style cohérent, les Grecs ont créé trois commandes de l'architecture, des groupes d'éléments de conception destinés à être associés à la décoration extérieure d'un bâtiment. Toutes les commandes comprenaient des types spécifiques de colonnes, de chapiteaux et de décorations. Les trois ordres architecturaux grecs étaient le dorique, qui était le plus simple ionique, qui était un peu plus décoratif et l'ordre grec corinthien.


Colonnes corinthiennes sur un bâtiment de style néo-classique (U.S. Post Office on Broadway) à New York City

Les proportions des ordres se sont formées sur celles du corps humain. Les corinthien, avec le Composite, est le plus orné des ordres. Ce style architectural se caractérise par des colonnes cannelées élancées et des chapiteaux élaborés décorés de feuilles d'acanthe et de volutes. Comme c'est le cas pour les autres styles classiques, le type de bâtiment peut demander des modifications au canon du style lui-même.

Temple de Vesta, Rome. Il a 20 colonnes corinthiennes extérieures debout sur un podium en tuf à 360 degrés à 5 marches.

Caractéristiques de style

Les caractéristiques les plus importantes d'ordre corinthien sont :

· Le chapiteau suspendu, qui est sculpté de deux rangées décalées de feuilles d'acanthe stylisées et quatre rouleaux.

· L'arbre a vingt-quatre flûtes acérées, tandis que la colonne est dix diamètres de haut. Dans ses proportions, la colonne corinthienne est comparable à la Colonne ionique, bien qu'il soit plus élancé, et se distingue par son chapiteau sculpté caractéristique.

· Les abaque sur la capitale a côtés concaves qui se conforment aux coins de la capitale, et il peut avoir un rosette au milieu de chaque côté.

Structure d'une colonne corinthienne

Cet Ordre a toujours été lié à la Beauté. Pris dans son ensemble, il a été développé par les Romains dans une expression du plus grand spectacle architectural . Vitruve a décrit la colonne corinthienne comme une imitation de la minceur d'une jeune fille. Le plus ancien bâtiment connu conçu conformément à cet ordre est le monument choragique de Lysicrate à Athènes.

Une reproduction du monument choragique de Lysicrate, Sidney

La signification des feuilles d'acanthe

Les feuilles d'acanthe ont également été adoptées dans l'architecture chrétienne, dans les chapiteaux gallo-romains, et dans les monuments sépulcraux, pour symboliser la Résurrection, évidente dans l'art roman car l'ordre corinthien était principalement utilisé pour les chapiteaux du chœur d'une église, étaient gardait les reliques des saints à qui la résurrection était et est promise, souvent avec un nombre symbolique de feuilles ou de boutons floraux.

Un chapiteau corinthien d'une colonne du décor intérieur de la cellule du temple de Concordia


Caractéristiques

L'architecture classique valorisait des concepts tels que l'audace, l'humilité et l'intellect. Ces valeurs aident à définir les composants individuels qui peuvent être trouvés dans plusieurs styles architecturaux classiques. Certains de ces éléments clés sont les suivants.

  • Symétrie et proportions. Les bâtiments classiques sont généralement symétriques et comportent des éléments tels que des colonnes et des fenêtres régulièrement espacées.
  • Colonnes dans un style (ou ordre) spécifique. Ces ordres classiques peuvent être doriques, ioniques ou corinthiens pour l'architecture grecque. Les Romains avaient également des ordres toscans et composites.
  • Porche surmonté d'un fronton. De nombreuses maisons et bâtiments disposent d'un porche pleine hauteur avec un fronton classique au sommet. La porte est généralement positionnée au centre de la maison.
  • Matériaux de construction durables. L'architecture classique incorpore des matériaux comme le marbre, le béton et la brique.
  • Motifs de conception classique. Les maisons ont souvent des moulures dentaires, des toits à pente moyenne, des avant-toits en caisson, des encadrements de porte décoratifs et des frontons brisés au-dessus de la porte d'entrée.
  • Fenêtres rectangulaires. Les fenêtres étaient souvent à guillotine double et comprenaient une variété de configurations de fenêtres symétriques.

Histoire de l'architecture (3 000 avant notre ère - aujourd'hui) Évolution de la conception des bâtiments


Basilique Saint-Pierre, Rome, montrant
La façade de Maderno et l'adaptation
Dome, conçu à l'origine par
Michel-Ange. Style Renaissance.


Taj Mahal, Inde (1632-54)
Un superbe exemple de Mughal
architecture (moghole).

RESSOURCES
Pour les termes architecturaux, voir :
Glossaire d'architecture.
Pour voir comment l'architecture s'adapte
dans l'évolution des beaux-arts,
voir:: Histoire de l'Art.

Relation entre l'architecture et l'art

Depuis l'Antiquité, l'architecture - l'art de concevoir et de construire des bâtiments - a toujours été étroitement liée à l'histoire de l'art, pour au moins trois raisons. Premièrement, de nombreux ouvrages publics (en particulier les édifices religieux) ont été conçus dans un souci d'esthétique et de fonctionnalité. Ils ont été construits pour inspirer et servir une fonction publique. En conséquence, ils impliquaient les services d'un large éventail d'« artistes » et d'artisans décorateurs ainsi que d'ouvriers. Deuxièmement, dans bon nombre de ces bâtiments, les extérieurs et les intérieurs ont servi de vitrines pour la peinture d'art (par exemple, la chapelle Sixtine), la frise et la sculpture en relief (par exemple, le Parthénon, les cathédrales gothiques européennes), l'art du vitrail (par exemple, la cathédrale de Chartres) , et d'autres œuvres d'art comme les mosaïques et la ferronnerie. Troisièmement, les programmes de construction publique allaient généralement de pair avec le développement des arts visuels, et la plupart des grands mouvements « artistiques » (par exemple Renaissance, baroque, rococo, néoclassique) ont influencé à la fois l'architecture et les beaux-arts.

L'architecture primitive avait deux fonctions principales : (1) consolider la sécurité et le pouvoir (2) plaire aux dieux. Plus la société s'enrichissait, plus ces fonctions prenaient de l'importance. Voir aussi : Histoire de l'Art : Chronologie.

Architecture égyptienne

La première grande civilisation à émerger autour du bassin méditerranéen fut celle de l'Egypte (vers 3100-2040 avant notre ère). En plus de sa propre langue écrite, religion et classe dirigeante dynastique, il a développé un style unique d'architecture égyptienne, composé en grande partie de chambres funéraires massives sous la forme de pyramides (à Gizeh) et de tombes souterraines (dans la vallée désolée des rois, Louxor). La conception était monumentale mais pas complexe sur le plan architectural et utilisait des poteaux et des linteaux plutôt que des arcs, bien que l'expertise égyptienne en pierre ait eu une forte influence sur l'architecture grecque ultérieure. Des exemples célèbres d'architecture pyramidale égyptienne incluent : la pyramide à degrés de Djéser (vers 2630 avant notre ère) conçue par Imhotep - l'un des plus grands architectes du monde antique - et la grande pyramide de Gizeh (vers 2550 avant notre ère), également appelée la pyramide de Khéops ou « Pyramide de Khéops » - la plus ancienne des sept merveilles du monde, telle qu'elle a été compilée par Antipater de Sidon (170-120 avant notre ère). Plus tard, pendant les royaumes moyen et tardif (c.2040-300 CE), les Égyptiens ont construit une série de palais à Karnak (par exemple, le temple d'Amon, à partir de 1530 avant notre ère). Ces structures étaient ornées d'un large éventail d'œuvres d'art - dont peu ont survécu - y compris des peintures murales, des peintures sur panneaux, des sculptures et des objets en métal, représentant divers dieux, divinités, dirigeants et animaux symboliques dans le style d'art hiératique égyptien unique, ainsi que des inscriptions hiéroglyphiques . Pour des détails plus spécifiques, voir : Architecture égyptienne ancienne (3100-2181) Architecture égyptienne du Moyen Empire (2055-1650) Architecture égyptienne du Nouvel Empire (1550-1069) Architecture égyptienne tardive (1069 BCE - 200 EC).

Pour une comparaison avec l'architecture pyramidale des premières Amériques, voir : Art précolombien (c.1200 BCE - 1535 CE).

Architecture sumérienne

Pendant ce temps, en Mésopotamie et en Perse (vers 3200-323 avant notre ère), la civilisation sumérienne développait son propre bâtiment unique - un type de pyramide à degrés appelée ziggourat. Mais contrairement aux pyramides des pharaons égyptiens, les ziggourats n'étaient pas construites comme des tombes mais comme des montagnes artificielles pour rapprocher les dirigeants et les peuples sumériens de leurs dieux qui habitaient soi-disant haut dans les montagnes à l'est. Les ziggourats étaient construites à partir de briques cuites à l'argile, souvent finies avec des glaçures colorées. Pour plus de détails, voir : Art Sumérien (c.4500-2270 BCE). Pour d'autres cultures de l'ancien Irak, voir : l'art assyrien (c.1500-612 avant notre ère) et l'art hittite (c.1600-1180 avant notre ère). Pour une vue d'ensemble, voir : Art mésopotamien (vers 4500-539). Voir aussi : Chronologie de l'art préhistorique.

Début de l'architecture irlandaise

Vers la fin de l'âge de pierre, des mégalithes cérémoniels (structures construites à partir de grosses pierres) comme la tombe mégalithique de Knowth (vers 3300 avant notre ère) et la tombe à couloir de Newgrange, ont commencé à apparaître en Europe du Nord (cette forme d'art mégalithique est illustrée par le Stonehenge cercle de pierres.) Soit disposées debout à l'air libre, soit enterrées et couvertes pour former un « dolmen », ces lourdes structures en pierre sont considérées par la plupart des archéologues avoir eu une fonction religieuse ou rituelle, et dans certains cas l'alignement de leurs pierres révèle une connaissance sophistiquée de l'astronomie. Les gravures complexes découvertes à Newgrange marquent le début des arts visuels en Irlande. Pour en savoir plus sur les bâtiments anciens et médiévaux, veuillez consulter Monuments architecturaux d'Irlande. Pour les types de sites historiques plus anciens, voir Monuments archéologiques d'Irlande.

Le premier art européen de l'Antiquité classique a été créé par les Minoens, basés sur l'île de Crète. L'architecture minoenne utilisait un mélange de pierre, de brique crue et de plâtre pour construire des palais élaborés (par exemple, le palais de Knossos vers 1700-1400 avant notre ère) ainsi que des chambres funéraires en forme de dôme (tholos) cachées dans les collines. Beaucoup de ces bâtiments étaient décorés de peintures murales colorées et de fresques, représentant des symboles animaliers mythologiques (par exemple le taureau) et des événements. Malheureusement, la plupart de l'architecture minoenne a été détruite par des tremblements de terre vers 1200 avant notre ère. La Crète a ensuite été reprise par les Mycéniens de la Grèce continentale, d'où une culture et une civilisation grecques unifiées ont émergé quelques siècles plus tard.

L'histoire de l'art et de l'architecture dans la Grèce antique est divisée en trois époques de base : la période archaïque (environ 600-500 avant notre ère), la période classique (environ 500-323 avant notre ère) et la période hellénistique (environ 323-27 avant notre ère). ). [Voir aussi : Art égéen.] Vers 600 avant notre ère, inspirés par la théorie et la pratique des premiers maçons et constructeurs de pierre égyptiens, les Grecs se mirent à remplacer les structures en bois de leurs bâtiments publics par des structures en pierre - un processus connu sous le nom de « pétrification ». Le calcaire et le marbre étaient utilisés pour les colonnes et les murs, tandis que la terre cuite était utilisée pour les tuiles et les ornements. La décoration a été faite en métal, comme le bronze.

À l'instar des peintres et des sculpteurs, les architectes grecs ne jouissaient d'aucun des statuts supérieurs accordés à leurs successeurs. Ils n'étaient pas considérés comme des artistes mais comme des commerçants. Ainsi, aucun nom d'architecte n'est connu avant le 5ème siècle avant notre ère. Les types de bâtiments publics les plus courants étaient les temples, les structures municipales, les théâtres et les stades sportifs.

Méthodes architecturales de la Grèce antique

architecture grecque utilisé des techniques simples de construction à poteaux et linteaux. Ce n'est qu'à l'époque romaine que l'arc a été développé afin de couvrir de plus grandes distances. En conséquence, les architectes grecs ont été contraints d'employer beaucoup plus de colonnes de pierre pour soutenir de courtes poutres horizontales au-dessus de leur tête. De plus, ils ne pouvaient pas construire des bâtiments avec de grands espaces intérieurs, sans avoir des rangées de colonnes de support internes. Le format de construction standard, utilisé dans les bâtiments publics comme l'Hephaesteum à Athènes, utilisait de gros blocs de calcaire ou une pierre poreuse légère connue sous le nom de tuf. Le marbre, plus rare et plus précieux, était réservé à la décoration sculpturale, sauf dans les plus grands édifices, comme le Parthénon sur l'Acropole.

Conception de bâtiments grecs

La conception rectangulaire typique du bâtiment était souvent entourée de colonnes sur les quatre côtés (par exemple le Parthénon) ou plus rarement à l'avant et à l'arrière seulement (par exemple le temple d'Athéna Niké). Les toits étaient recouverts de poutres en bois recouvertes de tuiles en terre cuite et n'étaient pas en forme de dôme. Les frontons (la forme triangulaire aplatie à chaque pignon du bâtiment) étaient généralement remplis de décorations sculpturales ou de frises, tout comme la rangée de linteaux le long du haut de chaque mur latéral, entre le toit et le sommet des colonnes. À la fin des IVe et Ve siècles avant notre ère, les architectes grecs ont commencé à s'écarter du plan strictement rectangulaire des temples traditionnels au profit d'une structure circulaire (les tholos), agrémentée de marbre noir pour mettre en valeur certains éléments architecturaux et offrir de riches contrastes de couleurs.

Ces bâtiments étaient ornés d'une vaste gamme de sculptures grecques - œuvres à fronton, frises, reliefs et divers types de statues autoportantes - de nature figurative, représentant des héros mythologiques et des événements de l'histoire et de la culture grecques.

Principes de l'architecture grecque : Ordres classiques

La théorie de l'architecture grecque - sans doute la forme la plus influente de l'art grec classique - était basée sur un système d'« Ordres classiques » - des règles de conception des bâtiments basées sur les proportions et entre les parties individuelles. Il en a résulté une uniformité d'apparence esthétique, indépendamment de la taille ou des matériaux utilisés. Il y avait trois ordres dans l'architecture grecque primitive : le dorique, Ionique et corinthien. Le style dorique était courant en Grèce continentale et s'est ensuite étendu aux colonies grecques en Italie. Le style ionique était utilisé dans les villes d'Ionie le long de la côte ouest de la Turquie et d'autres îles de la mer Égée. Là où le style dorique était formel et austère, l'ionique était moins sobre et plus décoratif. Le troisième style, corinthien, est venu plus tard et représentait un développement plus orné de l'ordre ionique. Les différences entre ces styles sont plus clairement visibles dans le rapport entre le diamètre de la base et la hauteur de leurs colonnes. L'architecture dorique (illustrée par des structures grecques, comme le Parthénon et le temple d'Héphaïstos à Athènes) était plus populaire à l'époque classique, tandis que le style ionique a pris le dessus pendant la période plus détendue de l'art hellénistique (vers 323-30 av. ).

Bâtiments célèbres de la Grèce antique

Des exemples célèbres de l'architecture grecque antique incluent : le complexe de l'Acropole (550-404 avant notre ère) comprenant le Parthénon (447-422 avant notre ère), les temples de Paestum (à partir de 550 avant notre ère), le temple de Zeus à Olympie (468-456 avant notre ère), le temple d'Héphaïstos (vers 449 avant notre ère), le temple d'Athéna Nike (427 avant notre ère), le théâtre de Delphes (vers 400 avant notre ère), le temple Tholos d'Athéna Pronaia (380-360 avant notre ère) et l'autel de Pergame Zeus (vers 166-156 avant notre ère). Voir aussi : Sculpture de la Grèce antique.

Contrairement aux Grecs plus créatifs et intellectuels, les Romains étaient essentiellement des gens pratiques avec un flair pour l'ingénierie, la construction et les questions militaires. Dans leur architecture, comme dans leur art, ils ont beaucoup emprunté à la fois aux Étrusques (par exemple dans leur utilisation de l'hydraulique pour le défrichage des marais et dans la construction d'arcs), et aussi aux Grecs, qu'ils considéraient comme leurs supérieurs dans tous les domaines visuels. arts. Cependant, sans l'art romain - avec son génie pour copier et adapter les styles grecs - la plupart des réalisations artistiques de l'antiquité grecque auraient été perdues.

Priorités architecturales de la Rome antique

Architecture romaine servi les besoins de l'État romain, qui tenait à impressionner, divertir et répondre à une population croissante dans des zones urbaines relativement confinées. Le drainage était un problème courant, tout comme la sécurité. Ceci, combiné au désir croissant de Rome d'accroître sa puissance et sa majesté dans toute l'Italie et au-delà, exigeait que les bâtiments publics soient imposants, à grande échelle et hautement fonctionnels. Ceci est illustré par les réalisations architecturales romaines dans les systèmes de drainage, les aqueducs (par exemple l'aqueduc de Ségovie, 100 CE, et plus de 11 aqueducs dans la ville de Rome elle-même, comme Aqua Claudia et Anio Novus), les ponts (par exemple le Pont du Gard), les infrastructures municipales comme les bains publics (ex. les thermes de Caracalla et les thermes de Dioclétien), les installations sportives et les amphithéâtres (ex. le Colisée 72-80 CE), voire les systèmes de chauffage central. De nombreux temples et théâtres ont également été construits. Plus tard, à mesure que leur empire s'étendait, les architectes romains ont saisi l'opportunité de créer de nouvelles villes à partir de zéro, concevant des plans urbains basés sur deux larges rues - un axe nord-sud (le cardo) et un axe est-ouest (le decumanus) . Le centre-ville était situé à l'intersection des deux routes. Ils ont également construit vers le haut, par exemple Ostie, une riche ville portuaire près de Rome, comptait un certain nombre d'immeubles d'appartements de 5 étages.

Avancées architecturales : arches et béton

L'architecture romaine a été aidée par des avancées majeures à la fois dans la conception et les nouveaux matériaux. La conception a été améliorée par des développements architecturaux dans la construction d'arcs et de dômes de toit. Les arches ont amélioré l'efficacité et la capacité des ponts et des aqueducs (moins de colonnes de support étaient nécessaires pour soutenir la structure), tandis que les toits en forme de dôme permettaient non seulement la construction de plus grands espaces ouverts sous abri, mais conféraient également à l'extérieur une apparence impressionnante de grandeur et de majesté, comme dans plusieurs basiliques laïques et chrétiennes importantes, comme le Panthéon.

L'évolution des matériaux a également été cruciale, comme l'a relaté l'architecte romain Vitruve (c.78-10 avant notre ère) dans son livre De l'architecture. Ceci est illustré par l'invention romaine du béton (opus cementicium), un mélange de mortier de chaux, de sable, d'eau et de pierres, au 3ème siècle avant notre ère. Ce substitut exceptionnellement solide et pratique de la pierre a révolutionné l'ingénierie et l'architecture romaines. Alors que le béton recouvert de tuiles commençait à remplacer le marbre comme matériau de construction principal, les architectes pouvaient être plus audacieux. Les bâtiments ont été libérés du plan de conception grec rectangulaire (avec ses toits sans dôme et ses lignes de piliers soutenant des architraves plates) et sont devenus moins géométriques et plus fluides.

Comme leurs prédécesseurs égyptiens et grecs, les architectes de la Rome antique ont embelli leurs bâtiments publics avec un large éventail d'œuvres d'art, notamment : la sculpture romaine (en particulier les reliefs, les statues et les bustes de l'empereur), les fresques murales et les mosaïques.

Bâtiments célèbres de la Rome antique

Deux des plus grandes structures de la Rome antique étaient le Colisée (l'amphithéâtre elliptique Flavien au centre de Rome) et la colonne Trajane (un monument à l'empereur Trajan). Situé à l'est du Forum romain, le Colisée a mis 8 ans à construire et pouvait accueillir 50 000 spectateurs. Les historiens et les archéologues estiment que 500 000 personnes et plus d'un million d'animaux sauvages ont péri dans les « jeux » du Colisée. La colonne Trajane, située près de la colline du Quirinal, au nord du Forum romain, a été achevée en 113 de notre ère. Il est réputé pour sa magnifique sculpture en bas-relief en spirale très détaillée, qui fait 23 fois le tour du fût du monument et raconte la victoire de Trajan dans les guerres daces. Le puits lui-même est composé de 20 énormes blocs de marbre de Carrare, pesant chacun environ 40 tonnes. Il mesure environ 30 mètres de hauteur et 4 mètres de largeur. Un monument romain plus petit mais non moins important était le Ara Pacis Augustae (13-9 avant notre ère).

Impact de la politique et de la religion sur l'architecture romaine

En 330 de notre ère, à peu près au moment où la basilique Saint-Pierre a été achevée, l'empereur romain Constantin Ier a déclaré que la ville de Byzance (rebaptisée plus tard Constantinople, aujourd'hui Istanbul en Turquie), devait être la capitale de l'Empire romain. Plus tard, en 395 de notre ère, à la suite de la mort de l'empereur Théodose, l'empire a été divisé en deux parties : une moitié occidentale basée d'abord à Rome jusqu'à ce qu'elle soit limogée au 5ème siècle de notre ère, puis à Ravenne (voir mosaïques de Ravenne) et une moitié orientale basée dans la ville plus sûre de Constantinople. De plus, le christianisme (auparavant une secte minoritaire) a été déclaré la seule religion officielle dans tout l'empire. Ces développements jumeaux ont eu un impact sur l'architecture de deux manières : premièrement, la relocalisation à Constantinople a contribué à préserver et à prolonger la culture romaine, qui aurait autrement pu être détruite par les envahisseurs barbares de l'Italie deuxièmement, l'émergence du christianisme a fourni ce qui est devenu le thème dominant de l'architecture et les arts visuels pour les 1200 prochaines années.

Architecture byzantine (330-554 CE)

Les architectes byzantins - dont de nombreux Italiens qui avaient quitté l'Italie pour s'installer dans la nouvelle capitale - ont poursuivi la tradition fluide de l'architecture romaine, en construisant un certain nombre de magnifiques églises et édifices religieux, à l'époque de l'art chrétien primitif, tels que : l'église Chora (c.333) l'Hagia Irene (c.360) et l'église de Saint-Serge et Bacchus, tous à Istanbul l'église de Sainte-Sophie à Sofia, Bulgarie (527-65), l'impressionnante Sainte-Sophie (532-37 ) qui a remplacé la cathédrale saccagée de Constantinople et l'église Sainte-Sophie de Thessalonique. Les grands édifices laïques comprenaient : le Grand Palais de Constantinople et la Citerne Basilique.

Les nouvelles techniques architecturales comprenaient l'utilisation de sections de maçonnerie triangulaires concaves, appelées pendentifs, afin de supporter le poids du dôme du plafond jusqu'aux piliers d'angle. Cela a conduit à la construction de dômes plus grands et plus magnifiques, et d'un plus grand espace ouvert à l'intérieur du bâtiment, comme en témoigne Sainte-Sophie. Les nouvelles méthodes décoratives comprenaient l'introduction de mosaïques éblouissantes en verre plutôt qu'en pierre utilisée par les Romains. Les intérieurs des églises étaient également richement décorés d'art byzantin, comme des dorures, des peintures murales et des sculptures en relief - mais pas de statues car elles n'étaient pas vénérées comme des icônes.

Utilisation des icônes dans l'architecture religieuse byzantine

Dans la tradition byzantine ou orthodoxe orientale de l'art chrétien, seules les images plates ou les sculptures en bas-relief sont autorisées dans l'art religieux. Cette tradition culturelle soutenait que les représentations tridimensionnelles glorifiaient l'aspect humain de la chair plutôt que la nature divine de l'esprit, ainsi elle s'opposait à l'imagerie religieuse 3-D. (Les chrétiens romains n'ont pas adopté ces interdictions, nous avons donc encore de la sculpture religieuse dans l'architecture catholique et protestante.) En l'état, le style iconographique byzantin s'est développé de manière très stylisée et visait à présenter une théologie complexe d'une manière très simple. , permettant d'éduquer et d'inspirer même les illettrés. Par exemple, la couleur était très importante : l'or représentait le rayonnement du ciel rouge, la vie divine le bleu était la couleur de la vie humaine le blanc était l'essence incréée de Dieu, utilisé par exemple dans la peinture d'icônes du Résurrection du Christ. Typiquement, Jésus porte un sous-vêtement rouge avec un survêtement bleu (signifiant Dieu devenant humain), tandis que Marie porte un sous-vêtement bleu avec un survêtement rouge (signifiant que les humains peuvent réellement atteindre Dieu). Pour plus d'informations, voir : Art chrétien (période byzantine).

Après la première période de l'architecture byzantine (c.300-600), qui était en grande partie une continuation de l'architecture romaine, il y eut une période moyenne (c.600-1100), notable uniquement pour la popularité du type croix-en-carré la conception architecturale de l'église (les exemples incluent le monastère d'Hosios Lukas en Grèce (vers 1000) et le monastère de Daphni près d'Athènes (vers 1050) après les périodes comnénienne et paléologue (vers 1100-1450), connus uniquement pour de rares réalisations comme Elmali Kilise et d'autres sanctuaires rupestres de Cappadoce, les églises du Pantokrator et de la Theotokos Kyriotissa à Constantinople.

Au fur et à mesure que l'Empire romain d'Orient continuait, l'architecture byzantine est progressivement devenue plus influencée par les traditions orientales de construction et de décoration. Les bâtiments ont augmenté en complexité géométrique, tandis que la brique et le plâtre ont été utilisés en plus de la pierre à des fins décoratives, comme les motifs extérieurs en zigzag. Les « ordres classiques » ou les styles précédents étaient interprétés plus librement et les fenêtres filtraient la lumière à travers de fines feuilles d'albâtre pour créer un éclairage plus doux. Les deux plans de conception de base étaient le type basilical ou axial (par exemple la basilique du Saint-Sépulcre à Jérusalem) et le type circulaire ou central (par exemple la grande église octogonale d'Antioche).

Héritage architectural byzantin

En Occident, les conceptions byzantines ont influencé le renouveau artistique européen sous la forme de l'art carolingien (750-900) et de l'art ottonien (900-1050), qui ont conduit à l'architecture romane et gothique. À l'Est, il a continué à exercer une influence significative sur l'art et l'architecture islamiques primitifs, comme en témoignent la Grande Mosquée omeyyade de Damas et le Dôme du Rocher à Jérusalem, tandis qu'en Bulgarie, en Russie, en Serbie, en Géorgie, en Ukraine et dans d'autres pays, il a duré encore plus longtemps.

The term Romanesque architecture is sometimes used to cover all immediate derivations of Roman architecture in the West, following the collapse of Rome until the flowering of the Gothic style in about 1200. More usually however, it denotes a distinctive style that emerged almost simultaneously in France, Germany, Italy and Spain (the latter also influenced by Moorish designs) in the 11th century. It is characterized most obviously by a new massiveness of scale, inspired by the greater economic and political stability that arrived after centuries of turmoil.

Charlemagne I and Otto I

The Romanesque revival of medieval Christian art began with Charlemagne I, King of the Franks, who was crowned Holy Roman Emperor in St. Peter's Rome, by Pope Leo III in 800. Famous for his Carolingian art, curiously, his major architectural achievement - the Palatine Chapel in Aachen (c.800) - was not inspired by St Peter's or other churches in Rome, but by the octagonal Byzantine-style Basilica of San Vitale in Ravenna. See also Medieval Sculpture.

Unfortunately, the Carolingian empire rapidly dissolved, but Charlemagne's patronage of architecture and the arts to promote Christianity, marked a vital first step in the re-emergence of a European-wide culture. Moreover, many of the Romanesque and Gothic churches and monasteries were built on the foundations of Carolingian architecture. Charlemagne's pre-Romanesque architectural efforts were later continued by Otto 1 (Holy Roman Emperor 936-73), in a style known as Ottonian Art, which gave way to the fully fledged 'Romanesque.' (Note: the Romanesque style in England and Ireland is commonly referred to as Norman architecture.)

Christianity continued to be the dominant driving force for most significant building works. The flowering of the Romanesque style in the 11th century coincided with the reassertiveness of Rome, as the capital of Christianity, and its influence upon secular authorities led to the Christian re-conquest of Spain (began 1031) and the Crusades to free the Holy Land from Islamic control. The acquisition of Holy Relics by the Crusaders, together with the fervour aroused by their campaigns, triggered the construction of a wave of new churches and cathedrals across Europe. In Italy, they include the Cathedral of Pisa with its famous leaning campanile (bell tower), Modena Cathedral and Parma Cathedral, as well as famous churches like the Santa Maria (Rome), the Baptistery (Florence), and San Zeno Maggiore (Verona). In France, they include Laon Cathedral (among others), and the abbeys of Cluny, Aux Dames (Caen) and Les Hommes (Mont Saint-Michel). In England, they include 26 out of 27 ancient Cathedrals, such as Winchester, Ely and Durham. In Germany, they include Augsburg and Worms Cathedrals (among others) and the abbeys of Mainz, Worms, Speyer and Bamberg. (See German Medieval Art.) In addition to its influence over international politics, the Roman Church also exercised growing power through its network of Bishops and its close association with Monastic orders such as the Benedictines, the Cistercians, Carthusians and Augustinian Canons. From these monasteries, Bishops and Abbots exercised a growing administrative power over the local population, and devoted huge resources to religious works, including illuminated gospel manuscripts, cultural scholarship, metalwork, sculpture and church building. This is exemplified by the powerful Benedictine monastery at Cluny in Burgundy, whose abbey church typified the Romanesque style of architecture and became the largest building in Europe until the Renaissance.

Features of Romanesque Architecture

Although they relied on several design features from Greek and Roman Antiquity, Romanesque architects had neither the imagination of the Greeks, nor the engineering ability of the Romans. For example, Roman building techniques in brick and stone were largely lost in most parts of Europe. In general, the style employed thick walls, round arches, piers, columnsgroin vaults, narrow slit-windows, large towers and decorative arcading. The basic load of the building was carried not its arches or columns but by its massive walls. And its roofs, vaults and buttresses were relatively primitive in comparison with later styles. Interiors were heavy with stone, had dim lighting and - compared with later Gothic styles - simple unadorned lines. Romanesque churches tended to follow a clearly defined form, and are recognizable throughout Europe. Only rarely did one see traces of Byzantine or Eastern influence, except along trade routes. A notable example is the domed St Mark's Basilica in Venice.

Despite its relative simplicity of style, Romanesque architecture did reinstigate two important forms of fine art: sculpture (which had largely disappeared since the fall of Rome) and stained glass. But given the size of windows in Romanesque style buildings, the latter remained a relatively minor element in Medieval art until the advent of Gothic designs. See also: Romanesque Sculpture.

Romanesque Revival architecture was a 19th century style championed by architects like the Louisiana-born Henry Hobson Richardson (1838-86), who was responsible for "Richardsonian Romanesque", as exemplified by the Marshall Field Wholesale Store (1885-87), in Chicago.

NOTE: For a comparison with Eastern designs of the same period, see: the 11th century Kandariya Mahadeva Hindu Temple (1017-29) in India and the 12th century Angkor Wat Khmer Temple (1115-45) in Cambodia.

The term 'Gothic' denotes a style of architecture and art that superceded Romanesque, from the mid-12th century to the mid-15th century. Coined originally as a term of abuse by Italian Renaissance artists and others like Christopher Wren, to describe the type of Medieval architecture they considered barbaric, as if to suggest it was created by Gothic tribes who had destroyed classical art of Antiquity, the Gothic art style is characterized by the use of pointed arches, thinner walls, ribbed vaults, flying buttresses, huge stained glass windows and elaborate tracery. Think of it as a sort of finer, more vertical, more detailed, brighter, more exciting and more inspirational form of Romanesque. The Gothic style as applied to cathedrals is usually divided into two variations: Rayonnant Gothic Architecture (c.1200-1350) and Flamboyant Gothic Architecture (1375-1500). Modern critics like John Ruskin had a high opinion of the Gothic style. For more, see: Gothic Architecture. See also: Gothic Sculpture.

The 12th century was a period of growth in trade and urban development throughout Europe. This inceasing prosperity, together with advances in science and geometry, plus new ideas about how cathedrals could be built in order to inspire religious devotion among the masses, were all important factors in the development of gothic architecture. Although the new style was closely associated with the promotion of religion, and although much of the gothic building program was financed by monastic orders and local bishops, it was not a religious architectural movement. In a way, Christianity was a product brand used by secular authorities, to compete for prestige and influence. As a result, Kings and lesser administrators saw cathedrals as major civic and commercial assets, and supported their construction accordingly.

Key Feature of Gothic Architecture

The principal feature of the Gothic style is the pointed arch, believed by many experts to originate in Assyrian, and later, Islamic architecture. This feature, which channeled the weight of the ceiling onto weight-bearing piers or columns at a much steeper angle than was previously possible with the Romanesque 'rounded' arches, permitted architects to raise vaults much higher and thus create the impression of 'reaching towards heaven'. It also led to the adoption of numerous other features. Instead of massively thick walls, small windows and dim interiors, the new Gothic buildings had thin walls, often supported by flying buttresses, and huge stained glass windows, as exemplified by Sainte Chapelle (1241-48) in Paris. The soaring ceilings and brighter light revolutionized ecclesistical design by tranforming the interior of many cathedrals into inspirational sanctuaries. (See also: Stained Glass Art: Materials and Methods.)

The Gothic Cathedral - A Mini-Universe

In keeping with the new and more confident philosophy of the age, the Gothic cathedral was seen by architects and churchmen as representing the universe in miniature. Each element of the building's design was intended to convey a theological message: the awesome glory of God. Thus the logical and ordered nature of the structure reflected the clarity and rationality of God's universe, while the sculptures, stained glass windows and murals illustrated the moral messages of the Bible.

The Church of Saint-Denis (c.1137-41)

The building which marks the real beginning of the Gothic era was the Abbey Church of Saint-Denis, near Paris. Begun under the direction of Abbot Suger, friend of the French Kings, Louis VI and Louis VII, the church was the first structure to use and unify all of the elements that define Gothic as an architectural style. Although pointed arches, column clusters and cross-rib vaulting had all been used before, it wasn't until Saint-Denis that these features came together in a coherent whole, and the building became a sort of prototype for more churches and cathedrals in the region known as the Ile de France. In due course, the style spread throughout France, England, the Low Countries, Germany, Spain and Italy. (See also: English Gothic Sculpture and German Gothic Sculpture.)

Examples of Ecclesiastical Gothic Architecture

Although used in the design and construction of palaces, castles, municipal town halls, guild halls, abbeys and universities, the Gothic style is best exemplified by the Gothic cathedrals of Northern France. The greatest examples include: Notre-Dame Cathedral Paris (1163-1345) Reims Cathedral (1211-1275) Chartres Cathedral (1194-1250) and Amiens Cathedral (1220-1270) (in Germany) Cologne Cathedral (1248-1880) (in Austria) St Stephen's Cathedral Vienna (in Spain) the cathedrals of Burgos, Toledo and Leon (in Italy) Florence, Milan and Siena while English Gothic architecture is best represented by Westminster Abbey, York Minster and the cathedrals of Salisbury, Exeter, Winchester, Canterbury and Lincoln.

Renaissance-Style Architecture (1400-1620)

Financed by commercial prosperity and competition between city-states, such as Florence, Rome and Venice, as well as rich families like the Medici banking dynasty in Florence and the Fuggers banking family in Germany, the Renaissance was neverthess a triumph of will over world events. Not long before, there had been a run of disastrous European harvests (1315-19) the Black Death plague (1346) which wiped out one third of the European population the 100 Years War between England and France (1339-1439), and the Christian Church was polarized by schism. Hardly ideal conditions for the rebirth or rinacimento Qui a suivi. As it was, the 16th century Popes in Rome almost bankrupted the Church in the early 16th century due to their profligate financing of fine buildings and the visual arts.

Renaissance architecture was catalyzed by the rediscovery of architectural styles and theories of Ancient Rome. The first depictions of this Classical architecture emerged in Italy during the early 15th century when a copy of De l'architecture ("Ten Books Conerning Architecture") by the 1st century Roman architect Vitruvius, was sudddenly unearthed in Rome. At the same time, the Florentine architect and artist Filippo Brunellesci (1377-1446) had begun studying ancient Roman designs, and was convinced that ideal building proportions could be ascertained from mathematical and geometrical principles. It was Brunellesci's magnificent 1418 design for the dome of the Florence Cathedral (1420-36) - now regarded as the first example of Renaissance architecture - which ushered in a new style based on the long-neglected placement and proportion rules of Classical Antiquity.

Famous Renaissance Architects

Another important Renaissance architect was Leon Battista Alberti (1404-72), who is still revered as one of the founders of modern architectural theory. Believing that ideal architectural design was based on the harmony of structure, function and decoration, he was greatly inspired by the theory and practice of ancient Roman architects and engineers.

Other famous Italian architects included: (1) Donato Bramante (1444-1514), the leading designer of the High Renaissance (2) Guiliano da Sangallo (1443-1516), an important intermediary architect between the Early and High Renaissance periods (3) Michel-Ange Buonarroti (1475-1564), a leading architect, as well as one of the greatest sculptors and painters of the age (4) Baldassare Peruzzi (1481-1536), an important architect and interior designer (5) Raffaello Santi (Raphael) (1483-1520), a visionary designer as well as painter (6) Michele Sanmicheli (1484-1559), the most famous pupil of Bramante (7 & 8) Jacopo Sansovino (1486-1570) and Andrea Palladio (1508-1580), the two top figures in Venetian Renaissance architecture (9) Giulio Romano (1499-1546), the main exponent of Italian Mannerist-style architecture (10) Giorgio Vasari (1511-1574) who designed the loggia for the Uffizi gallery and the connecting Vasari Corridor and (11) Vincenzo Scamozzi (1548-1616) one of the great theorists of the late Renaissance.

Features of Renaissance Architecture

Put simply, Renaissance buildings were modelled on the classical architecture of the Greeks and Romans, but retained modern features of Byzantine and Gothic invention, such as complex domes and towers. In addition, while replicating and improving on Classical scupture, they also incorporated modern mosaics and stained glass, along with outstanding fresco murals. Renaissance architecture can be seen in countless examples of churches, cathedrals and municipal buildings across Europe, (eg. in many French Chateaux, such as Fontainebleau Chateau, home of the Fontainebleau School: 1528-1610) and its style has been reapplied in later ages to famous structures as diverse as the US Capitol and the UK National Gallery. (In England, the style is sometimes known as Elizabethan architecture.)

Supreme Examples of Renaissance Architecture

The two greatest Renaissance-style structures are undoubtedly the redesigned St Peter's Basilica in Rome and the cathedral in Florence, both of which were highlights of the Grand Tour (1650-1850).

Inspired by civic rivalry between the Ducal States, Brunellesci's dome made the Florentine cathedral the tallest building in Tuscany. In its architectural design, it combined the Gothic tradition of stone vaulting and the principles of Roman engineering. Its herring-bone bonding of brickwork and concentric rings of masonry blocks dispensed with the need for centring, which was unmanagable at the height involved.

Commissioned by Pope Julius II (1443-1513), the rebuilding of the 1,100 year old church of St Peter's in Rome (1506-1626) was the work of numerous architects, including Bramante, Raphael, Sangallo, Maderno, Michelangelo and Bernini, and extended beyond the High Renaissance into the Mannerist and Baroque eras. Its features include a 87-feet high lantern on top of a huge ovoid dome (altered from Michelangelo's hemispherical design due to fears of instability), and a frontal facade incorporating a gigantic Order of pilastered Corinthian columns, each 90 feet high. At 452 feet, St Peter's is taller than any other Renaissance church.

Baroque Architecture (1550-1790)

As the 16th century unfolded, the religious, political and philosophical certainties which had prevailed during the Early (c.1400-85) and High (1486-1520) Renaissance periods, began to unravel. In 1517, Martin Luther sparked the Protestant Reformation, casting European-wide doubt on the integrity and theology of the Roman Church. This was the catalyst for several wars involving France, Italy, Spain and England, and led directly to the Counter-Reformation movement, launched by Rome, to attract the masses away from Protestantism. Renewed patronage of the visual arts and architecture was a key instrument in this propaganda campaign, and resulted in a grander, more dramatic style in both areas. For the rest of the century, this more dynamic style was known as Mannerism (style-ishness), and thereafter, Baroque - a term derived from the Portugese word barocco, meaning 'an irregular pearl'.

Key Features of the Baroque Style

Baroque architecture can be seen as a more complex, more detailed, more elaborate, more ornamented form of Renaissance architecture. More swirls, more complex manipulation of light, colour, texture and perspective. On the outside of its churches, it featured more ostentatious facades, domes, columns, sculpture and other embellishments. On the inside, its floor-plans were more varied. Long, narrow naves were displaced by wider, sometimes circular shapes separate chapels and other areas were created, along with trompe l'oeil effects ceilings were covered in fresco paintings. The whole thing was designed to interest, if not dazzle, the spectator.

Baroque was an emotional style of architecture, and took full advantage of the theatrical potential of the urban landscape. This is exemplified above all by Saint Peter's Square (1656-67) in Rome, in front of the domed St Peter's Basilica. Its architect, Giovanni/Gianlorenzo Bernini rings the square with colonnades, which widen slightly as they approach the cathedral, conveying the impression to visitors that they are being embraced by the arms of the Catholic Church. The entire approach is constructed on a gigantic scale, to induce feelings of awe.

In general, Baroque architecture constituted part of the struggle for religious superiority and for the hearts and minds of worshippers across Europe. On a more political level, secular Baroque architecture was employed to buttress the absolutism of reigning monarchs, like King Louis XIV of France, among others. From Italy, it spread to the rest of Europe - especially Catholic Europe - where each country typically developed its own interpretation. See also: German Baroque Art.

Celebrated Baroque Architects

Famous Baroque architects included: Giacomo Barozzi da Vignola (1507-73), papal architect to Pope Julius III and the Farnese family Gianlorenzo Bernini (1598-1680), a designer who perfectly expressed the ideals of the Counter Reformation Francesco Borromini (1599-1667), a lifelong rival of Bernini Pietro Berrettini da Cortona (1596-1669), a protege of Pope Urban VIII (see also quadratura) Francois Mansart (1598-1666), designer of French townhouses and chateaux like the Château de Maisons, whose name was given to the mansard roof (sic) his great-nephew Jules Hardouin Mansart (1646-1708), designer of the great dome of Les Invalides in Paris and Louis Le Vau (1612-70), another famous French Baroque architect, responsible for the church of Saint-Sulpice in Paris and the Wings of the Louvre. Jules Hardouin Mansart and Louis Le Vau were the main architects of the Palace of Versailles (begun 1623), creating such extravagancies as the Hall of Mirrors and the Marble Court. In Germany, an iconic Baroque structure is the Wurzburg Residenz (1720-44), designed by Balthasar Neumann (1687-1753).

In England, the leader of the Baroque style was Sir John Vanbrugh (1664-1726), designer of Blenheim Palace while in Russia, Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) was chiefly responsible for the style known as Russian Baroque, but which incorporated elements of both early Neoclassical and Rococo architecture. Rastrelli designed the Winter Palace (1754-62), Smolny Cathedral (1748-57) in St Petersburg, and redesigned Catherine's Palace, outside the city.

Rococo Architecture (1715-89)

During the last phase of Baroque, the reign of King Louis XV of France witnessed a revolt against the earlier Baroque style of Louis XIV's court, and the emergence of a more decorative, playful style of architecture, known as Rococo. An amalgam of the words 'rocaille' (rock) and 'coquillage' (sells), reflecting its abundance of flowing curved forms, Rococo was championed by Nicolas Pineau, who partnered Jules Hardouin-Mansart in designing interiors for the royal Château de Marly.

Unlike other major architectural movements, like Romanesque, Gothic or Baroque, Rococo was really concerned with interior design. This was because it emerged and remained centred in France, where rich patrons were unwilling to rebuild houses and chateaux, preferring instead to remodel their interiors. And the style was far too whimsical and light-hearted for the exteriors of religious and civic buildings. As a result, Rococo architects - in effect, interior designers - confined themselves to creating elaborately decorated rooms, whose plasterwork, murals, tapestries, furniture, mirrors, porcelain, silks, chinoiserie and other embellishments presented the visitor with a complete aesthetic experience - a total work of art (but hardly architecture!)

Rococo perfectly reflected the decadent indolence and degeneracy of the French Royal Court and High Society. Perhaps because of this, although it spread from France to Germany, where it proved more popular with Catholics than Protestants, it was less well received in other European countries like England, The Low Countries, Spain and even Italy. It was swept away by the French Revolution and by the sterner Neoclassicism which heralded a return to Classical values and styles, more in keeping with the Age of Enlightenment and Reason.

Neoclassical Architecture (1640-1850)

Early Neoclassical Forms

Neoclassicism did not appear overnight. In its early forms (1640-1750), it co-existed with Baroque, and functioned as a corrective style to the latter's more flamboyant excesses. Thus in England, Sir Christopher Wren (1632-1723) designed St Paul's Cathedral, the Royal Observatory in Greenwich, the Royal Chelsea Hospital and the Sheldonian Theatre in Oxford, in a style which is much more classicist than Baroque, even though he is still classified as a Baroque architect. Other early English Neoclassicist designers included Inigo Jones (1573-1652) and William Kent (1685-1748).

Features of Neoclassicism Proper (1750-1850)

A timely support for ancien regimes throughout Europe, from St Petersburg to Vienna, and a model for youthful empires-to-come like the United States of America, Neoclassical art was yet another return to the Classical Orders of Greek and Roman Antiquity. Although, as in the Renaissance, the style retained all the engineering advances and new materials of the modern era. It was characterized by monumental structures, supported or decorated by columns of Doric, Ionic or Corinthian pillars, and topped with classical Renaissance domes. Technical innovations of late 18th century architecture like layered cupolas and inner cores added strength to domes, and their dimensions increased, lending increased grandeur to civic buildings, churches, educational facilities and large private homes.

Neoclassical architecture originated in Paris, largely due to the presence of French designers trained at the French Academy in Rome. Famous French architects included: Jacques Germain Soufflot (1713-80), who designed the Pantheon (1756-97) in Paris Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), designer of the Royal Saltworks at Arc-et-Senans (1773-93) and the Cathedral of Saint-Germaine (1762-64) and Jean Chalgrin, who designed the Arc de Triomphe (1806). In England the tradition was maintained by Paris-trained Sir William Chambers, Robert Adam (1728-92), John Nash (1752-1835), Sir John Sloane (1753-1837), William Wilkins (1778-1839) and Sir Robert Smirke (1780-1867). It was quickly adopted by progressive circles in Sweden as well. In Germany, Neoclassical architects included: Carl Gotthard Langhans (1732-1808), designer of the Brandenburg Gate (1789-91) in Berlin Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), responsible for the Konzerthaus on Gendarmenmarkt (1818-21), the Tegel Palace (1821-4), and the Altes Museum (1823-30), all in Berlin. These two architects transformed the Prussian capital of Berlin to rival Paris or Rome in classical splendour.

Russian Neoclassicism

Rastrelli's Baroque style Russian buildings, like the Winter Palace (1754-62), did not find favour with Catherine the Great (1762-1850), who preferred Neoclassical designs. As a result, she summoned the Scottish architect Charles Cameron (c.1745�), who built the Pavlovsk Palace (1782-86) near St Petersburg, the Razumovsky Palace in the Ukraine (1802) and the Alexander Palace outside St Petersburg (1812). Other important neoclassical architects for the Russian Czars included: Vincenzo Brenna (Cameron's pupil), Giacomo Quarenghi et Matvey Fyodorovich Kazakov.

American Neoclassicism

The United States Capitol Building, with its neoclassical frontage and dome, is one of America's most recognizable and iconic structures. Begun in 1793, its basic design was the work of William Thornton (1759-1828), reworked by Benjamin Latrobe (1764-1820), Stephen Hallet et Charles Bulfinch (1763-1844). The dome and rotunda were initially built from wood, but later replaced with stone and iron. The overall design was inspired by both the eastern facade of the Louvre Museum in Paris, and by the Pantheon in Rome. Latrobe himself went on to design numerous other buildings in America, in the Neoclassical style including: the Bank of Pennsylvania (1789), Richmond Capitol (1796), the Fairmount Waterworks, Philadelphia (1799), and the Baltimore Exchange (1816), to name but a few. Bulfinch completed the Capitol in the 1820s, setting the template for other state capitols in the process, and then returned to his architectural practice in Boston. A key figure in the development of American architecture during the early 19th century, was the third US President Thomas Jefferson (1743-1826), whose strong preference for neoclassicism, in the design of public buildings, had a strong influence on his contemporaries.

19th Century Architecture

19th-Century architecture in Europe and America witnessed no new important design movements or schools of thought. Instead, there emerged a number of revivals of old styles. These included: The Greek Revival (American followers included Jefferson and Latrobe) the Gothic Revival - led by Viollet-le-Duc in France American followers included Richard Upjohn (1802-78) and James Renwick (1818-95) a Neo-Romanesque Revival (1849-1880), led by Henry Hobson Richardson Beaux-Arts architecture - a fusion of neo-Renaissance and neo-Baroque forms, practiced by Richard Morris Hunt (1827-95) - best known for designing the plinth of the Statue de la Liberté (1870-86) - and by the Ohio-born Cass Gilbert (1859-1934) and the Second Empire style (1850-80) in France, which was characterized by a revival of the Mansard Roof. The only monumental architectural masterpiece was the Eiffel Tower (1885-89), built by the French architect Stephen Sauvestre and the French engineer Gustave Eiffel (1832-1923). Wrought iron frameworks were also a feature of Victorian architecture in Britain (1840-1900) - thanks to Robert Stephenson (1803-59) and Isambard Kingdom Brunel (1806-59) - as were other new materials, like glass - as used in the construction of Crystal Palace, designed by Joseph Paxton (1801-65). Popular Victorian styles included Neo-Gothic and Jacobethan. A giant replica of a viaduct pylon, the tower is built entirely from iron girders. The only significant exception to the above Revivalist movements was the fin de siecle appearance of Art Nouveau architecture, pioneered by Antoni Gaudi (1852-1926), Victor Horta (1861-1947) and Hector Guimard (1867-1942), and by Secessionists like the Viennese architect Joseph Maria Olbrich (1867-1908).

The greatest ever American architect, Frank Lloyd Wright (1867-1959) revolutionized spatial concepts with his Prairie house style of domestic architecture, introducing open-plan layouts and the widespread use of unfinished natural materials. Prairie School architecture is exemplified by Robie House (1910), Fallingwater (1936-37), Unity Temple (1936-39), Imperial Hotel Tokyo, Textile Block Houses, Johnson Wax Building (1936-39), Usonian House (mid-1930s), Price Tower (1955), Guggenheim Museum NY (1956-9). Influenced by American colonial architecture, 19th century Shingle style designs and Japanese architecture, as well as the Arts and Crafts movement, he also paid the closest attention to the detail of interior fixtures and fittings and the use of natural, local materials. Wright's work showed that European traditionalism (and modernism) was not the only answer to architectural issues in the United States.

However, an immense amount of development in both building design and engineering took place in American architecture, at this time, due to the Chicago School and the growth of skyscraper architecture, from 1849 onwards. These supertall buildings came to dominate later building design across the United States. The Chicago School of architecture, founded by the skyscraper architect and engineer William Le Baron Jenney (1832-1907), was the pioneer group. Other important contributors to supertall tower design included the ex-Bauhaus designers Walter Gropius (1883-1969) and Mies van der Rohe (1886-1969) Philip Johnson (1906-2005), Skidmore Owings and Merrill, their leading structural engineer Fazlur Khan (1929-82), I.M.Pei (b.1917).

For details of the greatest architectural designers in the United States, see: American Architects (1700-2000).

20th Century Architecture

Twentieth century architecture has been dominated by the use of new technologies, building techniques and construction materials. Here is a brief outline of the century's main architectural schools and movements. For details, see: 20th Century Architecture (1900-2000).

• 1900-20 Art Nouveau
• 1900-25 Early Modernism (See:Le Corbusier and Peter Behrens)
• 1900-25 Continental Avant-Garde (De Stijl, Neue Sachlichkeit)
• 1900-2000 Steel-frame Skyscraper Architecture
• 1907-33 Deutscher Werkbund
• 1919-33 Bauhaus Design (see the biography of Walter Gropius) this evolves into the International Style of Modern Architecture (1940-70).
• 1925-40 Art Deco
• 1928-40 Totalitarian Architecture (Germany/USSR) - see Nazi art (1933-45)
• 1945-70 Late Modernism: Second Chicago School of Architecture
• 1945-2000 High Tech Corporate Design Architecture
• 1960-2000 Postmodernist Art
• 1980-2000 Deconstructivism - see Frank O. Gehry (b.1929).
• 1990-2000 Blobitecture

• For more details of types and history of architecture, see: Visual Arts Encyclopedia.


Ancient Georgian Column Capital - History

Temples were built in ancient Greece using three orders of columns. Wanting to emulate this style, Thomas Jefferson was the architect of neo-classical buildings in the United States.

Most Greek temples are fine examples of the Doric or Ionic orders.
The Doric order was the earliest and simplest of all three columns. It is thicker than the others and top of the column (capital) is plain, without a column base.

The Ionic order began in the Greek cities of Ionia (on the western coast of modern Turkey). It has thinner columns, a decorated capital (volute). The decoration may have been inspired by the curve of a ram’s horn.

Lastly, the Corinthian column, originally designed by Callimachus, was the most elaborate. Acanthus leaves were carved around the capital, possibly smaller leaves on the bottom rising to larger leaves on top. A smaller version of the volutes (helix) may have been incorporated. The Corinthian style was particularly popular with the Romans.

In the second half of the 18th century, expeditions to Greece would help foster the first volume of "The Antiquities of Athens," published in 1762.
In the 19th century archeological digs were organized by Greece, France, and Germany. Interest in the classical period brought about excavations in the cities of Delphi and Olympia.

Wanting to emulate the Greek style in architecture, what is known as "Greek Revival" was prevalent from 1818-1850 in the U.S. and abroad. Colonial and Georgian style houses were changed so as to resemble the Parthenon of Greece.

In the U.S., Thomas Jefferson, minister to France in 1784, studied architecture while in Europe. He owned a copy of "The Antiquities of Athens" and was also impressed with drawings by Renaissance architect Andrea Palladio, who was influenced by ancient Rome.

Thomas Jefferson, as architect, introduced neo-classical architecture to the U.S. with the Virginia state capitol at Richmond, his home at Monticello (1767-1770), and the University of Virginia (1825).

Other fine examples of Greek Revival architecture are: William Strickland’s "Second Bank of the U.S." (Philadelphia 1824) and Alexander Parris’ "Faneuil Hall" (Boston 1825-1826).

You can own a print of Thomas Jefferson's Monticello home.

For a nice photographic print of Boston's Faneuil Hall (with Greek Revival pillars on left building).

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Italian Renaissance Interiors

Interior unity became important during the Renaissance. Most interior rooms were rectangular. Domestic interiors were sparsely furnished and lavishly decorated. Grotesque were the Renaissance interpretations of ancient Roman ornament. They were usually underground. They were made of paint or stucco, and had colorful depictions of animal flowers animals, flowers, mythological creatures, and architecture.

Interior color comes from construction materials and fresco paintings. Textiles and wallpaper give color in residences. Colors used include scarlet, cobalt blue, gold, deep green, and cream.


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